CARS 2

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CARS 2. 2011. 105´. Color.

Dirección: John Lasseter y Brad Lewis; Guión: Ben Queen, basado en la historia de Dan Fogelman, John Lasseter y Brad Lewis; Dirección de fotografía: Jeremy Lasky; Montaje: Stephen Schaffer; Música: Michael Giacchino; Diseño de producción: Harley Jessup; Producción: Denise Ream, para Pixar Studios-Walt Disney Pictures (EE.UU.).

Intérpretes: Larry the Cable Guy (Voz de Mate); Owen Wilson (Voz de Rayo McQueen); Bonnie Hunt (Voz de Sally); Michael Caine (Voz de Finn McMissile); Emily Mortimer (Voz de Holley Shiftwell); Eddie Izzard (Voz de Sir Miles Axelrod); John Turturro (Voz de Francesco Bernoulli); Joe Mantegna (Voz de Grem); Thomas Kretschmann (Voz del Profesor Z); Peter Jacobson (Voz de Acer); Franco Nero (Voz del Tío Topolino); Brent Musburger, Darrell Waltrip, Tony Shalhoub, Michel Michelis, Jason Isaacs, Bruce CampbelL, Jenifer Lewis, Teresa Gallagher, Guido Quaroni, Vanessa Redgrave, Cheech Marin, John Ratzenberger, Lewis Hamilton, Fernando Alonso, Sebastian Vettel (Otras voces).

Sinopsis: Mientras Rayo McQueen se disputa con un fanfarrón piloto italiano un prestigioso trofeo cuyo objetivo es promocionar un nuevo combustible no fósil, Mate se ve envuelto en una trama de espionaje.

Un lustro fue lo que tardó Pixar en seguir rentabilizando el éxito de Cars con una secuela. Com0 suele suceder en las franquicias cinematográficas, la segunda parte no acabó de igualar las virtudes de la primera, pero amplificó sus defectos, si bien su éxito comercial fue considerable.

La principal novedad que encontramos en Cars 2 es que el protagonismo se traslada al mejor amigo de Rayo McQueen, Mate, el viejo camión-grúa de Radiador Springs que pone toda su bondad y escasez de entendederas al servicio de una trama bondiana en la que se ve involucrado a causa de una confusión. El enfrentamiento entre Rayo McQueen y el sobradito piloto italiano Francesco Bernoulli parece no interesar demasiado ni a los responsables de la película, que sólo lo aprovechan para introducir un puñado de espectaculares escenas automovilísticas y algunos chistes de gracia dispar. Todo gira alrededor de una pareja de intrépidos espías británicos que, en su intento por desenmascarar una trama criminal de altos vuelos, confunden a Mate con el agente estadounidense con el que deben contactar y acaban compartiendo con él un buen número de arriesgadas aventuras.

Película frenética desde su mismo comienzo, que narra la espectacular huida portuaria del espía inglés Finn McMissile, Cars 2 es tan virtuosamente prodigiosa en lo técnico como su predecesora, aunque en su contra juega el hecho de que ya se ha perdido el factor sorpresa: la película impresiona por su maestría técnica, pero aporta escasas novedades respecto a la primera parte. Cars no era precisamente uno de los mejores logros narrativos de Pixar, y su secuela nos muestra un guión endeble, en el que las escenas y los diálogos están por debajo del puro espectáculo visual que es la película. En los escasos momentos en los que no todo es adrenalina y acción a raudales, las carencias del guión se hacen evidentes, pues está muy bien la defensa de las energías alternativas, o la denuncia de las siniestras actividades de las grandes corporaciones petrolíferas, pero todo sería mucho mejor con un libreto que no pareciera escrito con el piloto automático, en el que no es sencillo encontrar situaciones o diálogos de esos que tanto abundan en las obras mayores de Pixar. Esta vez, la exuberancia visual supera en mucho a la calidad narrativa, y ni siquiera la música pasa de correcta. Hay de nuevo un número importante de guiños cinéfilos, algunos incluso autorreferenciales, pero se echa en falta algo más de inspiración.

En lo que sí se vuelve a acertar es en la elección de los intérpretes que ponen voz a los distintos personajes de la trama. En primer lugar, brilla la presencia de Michael Caine como Finn McMissile, ese espía británico que es puro Bond. El veterano actor londinense es, una vez más, de lo mejor de la película. Tampoco se quedan cortos Emily Mortimer, como la intrépida agente Shiftwell, o John Turturro en el papel de un piloto italiano que viene a ser como un Cristiano Ronaldo en versión Ferrari. De los actores que repiten, hay que mencionar que Larry the Cable Guy lleva muy bien el aumento del protagonismo de Mate, y que Owen Wilson cumple con buena nota como Rayo McQueen. No está de más mencionar la labor de otro actor de alto nivel como Joe Mantegna, o las breves intervenciones de la gran Vanessa Redgrave, o de Franco Nero.

En definitiva, un gran espectáculo algo hueco, que no deja de ser un Pixar menor, que a buen seguro satisfará al público infantil, pero no tanto al adulto.

CUÁL ES NUESTRO SITIO

He aquí una frase de Francis Bacon en la que cabemos todos los seres humanos, ya sea a ratos, o siempre:

“QUIEN NO QUIERE PENSAR ES UN FANÁTICO; QUIEN NO PUEDE PENSAR ES UN IDIOTA; QUIEN NO SE ATREVE A PENSAR ES UN COBARDE”.

ROJOS

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REDS. 1981. 194´. Color.

Dirección: Warren Beatty; Guión: Trevor Griffiths y Warren Beatty; Dirección de fotografía: Vittorio Storaro;  Montaje: Dede Allen y Craig McKay; Dirección artística: Simon Holland; sica: Stephen Sondheim y Dave Grusin; Diseño de producción: Richard Sylbert; Producción: Warren Beatty, para JRS Productions- Paramount Pictures (EE.UU.).

Intérpretes: Warren Beatty (John Reed); Diane Keaton (Louise Bryant); Jack Nicholson (Eugene O´Neill); Maureen Stapleton (Emma Goldman); Edward Herrmann (Max Eastman); Paul Sorvino (Louis Fraina); Jerzy Kosinski (Zinóviev); Gene Hackman (Pete Van Wherry); Joseph Buloff (Joe Volski); Jan Triska (Radek); Josef Sommer, Nicolas Coster, M. Emmett Walsh, George Plimpton, William Daniels, Roger Sloman, Jerry Hardin, Shane Rimmer, Jack Kehoe, R.G. Armstrong, Oleg Kerensky, Roger Baldwin, Henry Miller, Adela Rogers St. Johns, Dora Russell, Scott Nearing, Isaac Don Levine, Rebecca West, Arne Swabeck, Art Shields, George Jessel, Jessica Smith, Adele Gutman Nathan, Emmanuel Herbert.

Sinopsis: Biografía de John Reed, periodista estadounidense que vivió desde la primera línea la Revolución rusa de 1917.

El primer largometraje dirigido en solitario por Warren Beatty, Rojos, supuso el mayor éxito de su carrera detrás de las cámaras. La biografía de John Reed, el periodista que explicó al mundo la Revolución rusa, fue un proyecto personal que Beatty logró levantar con no poco esfuerzo y que le supuso, entre otras cosas, ser nominado al Oscar en cuatro categorías diferentes. Rojos no obtuvo la estatuilla más preciada, la de mejor película, pero la estrella se llevó a su casa la de mejor director, y eso parecía augurar una venturosa carrera como director para Warren Beatty, pero la verdad es que ninguno de sus films posteriores se acercó a la misma altura.

Aunque la película no está exenta de licencias dramáticas, Rojos está concebida como un documental, que empieza y termina con declaraciones de personas que conocieron al auténtico John Reed y a quien fue su esposa, Louise Bryant. Estos testimonios aparecen también en diversos momentos clave de la película, a la que no puede negársele su vocación de autenticidad. Podría suscribir las típicas acusaciones que hablan del glamouroso playboy de Hollywood haciéndose el izquierdista, pero en general el enfoque de Beatty me parece bastante honesto, dentro de lo que cabe, y no le niego el valor de atreverse a explicar a sus compatriotas la vida de la figura más célebre del comunismo estadounidense, justo en el momento en el que un reaccionario actor, Ronald Reagan, acababa de acceder a la presidencia del país.  

La película, que se estructura en tres partes, muestra a un periodista de gran talento al que el periodismo le parecía poca cosa y aspiraba a hitos más trascendentes: John Reed fue, antes que nada, un idealista, alguien que quiso cambiar no sólo su propia realidad, sino la de todos los desfavorecidos. Como dice Henry Miller, uno de los testigos de la época que aparecen en el film, Reed se impuso a sí mismo una tarea en la que fracasó el mismo Jesucristo. Al principio, el protagonista no deja de ser un reportero de provincias que goza de cierto prestigio en Nueva York y que defiende con obstinación que su país no intervenga en la Primera Guerra Mundial. Su aspecto y sus ideas le llevan a conquistar a Louise Bryant, la esposa del dentista más acaudalado de Portland. Bryant fue una mujer de ideas muy avanzadas para su época, y lo dejó todo para seguir a Reed y buscar su sueño de convertirse en escritora. La historia de amor entre Reed y Bryant, y la relación de ambos con un círculo de intelectuales izquierdistas del Greenwich Village al que pertenecían figuras tan destacadas como Emma Goldman o Eugene O´Neill, ocupa la primera parte de la película, que contiene algunas de las escenas menos interesantes de todo el metraje. Beatty se toma excesivo tiempo en narrar la época de bailes y debates intelectuales de la pareja, aunque la cosa remonta cuando Louise empieza a mostrar el ahogo que le produce su insignificancia dentro del grupo, en contraste con el avasallador carisma de su pareja, hasta que, en una de las muchas ausencias de Reed, consagrado a divulgar la lucha obrera por todo el país, Bryant busca refugio en los brazos de O´Neill.

La segunda parte del film narra los dos grandes hechos históricos sobre los que éste gira: la entrada de los Estados Unidos en la guerra junto al bando aliado y, sobre todo, el estallido de la Revolución en Rusia. Reed comprende que se halla ante el gran acontecimiento histórico con el que llevaba muchos años soñando, y entiende que su misión es ir allí, ver lo que ocurre y explicárselo al mundo. Louise le acompaña, y ambos pudieron ver desde dentro cómo se coció la victoria bolchevique. Reed plasmó todo ello en la obra que le valió el acceso a la posteridad: Diez días que conmovieron al mundo.

El regreso de la pareja a los Estados Unidos vuelve a separarla: John entra de lleno en la política, con la intención de dirigir a las fuerzas que han de trasladar lo ocurrido en Rusia a los Estados Unidos, y Louise retrocede ante el creciente mesianismo que muestra su marido, causante de división entre la militancia. Reed decide volver a Rusia para obtener el aval de los bolcheviques para la facción que lidera, pero es detenido en Finlandia. Ante la falta de noticias, Louise decide partir en su búsqueda. Ambos descubrirán que los sueños y la realidad no son precisamente lo mismo.

En este tercio final del film, a Beatty le vence el narcisismo, pues se recrea demasiado en la agonía de Reed (y en la abnegación de Louise, ya convertida en una esposa tradicional) en un improvisado hospital ruso. Es mucho más interesante, sin duda, el contraste entre la revolución soñada y la realidad de la Rusia bolchevique, en la que pronto asomaron las deficiencias que, varias décadas después, causaron el hundimiento de lo que dio en llamarse socialismo real. Un contrasentido, en mi opinión, porque todo socialismo es, en esencia, utópico. Llama la atención que, siendo Reed un personaje famoso por su fuerza oratoria, las mejores frases de la película no las pronuncie él: éstas se reservan al discurso que le suelta Louise sobre las verdaderas razones de su regreso a Rusia, al diálogo que mantienen ella y Eugene O´Neill una vez Reed ha partido hacia Europa, y a las reflexiones de Emma Goldman respecto a las taras inherentes a toda revolución que intenta pasar de las palabras a los hechos, concretadas en el fenómeno soviético.

La forma de dirigir de Beatty es convincente, aunque no impresionante. Lo que sí impresiona es el trabajo en la iluminación de un Vittorio Storaro que, después de Apocalypse Now, volvió a acreditar ser un fuera de serie aficionado a los grandes desafíos. La música, cuya autoría comparten dos nombres tan célebres como lo de Stephen Sondheim y Dave Grusin, se basa en el ragtime y demás sonidos de la época, y no me llega a apasionar. El  montaje y el resto de apartados técnicos merecen una nota muy alta.

Warren Beatty podía ser un buen actor, pero nunca fue uno de los grandes, ni de lejos, y en esta película esto se hace patente. Su labor interpretativa es correcta y esforzada, pero palidece frente a la de buena parte de sus compañeros de reparto. No todo es culpa suya: el trabajo de su por entonces pareja, Diane Keaton, es espectacular: no concibo una Louise Bryant mejor, aunque al final se le vaya algo la mano con la lágrima. Jack Nicholson me da más la impresión de ser él mismo que Eugene O´Neill, pero su carisma y su talento son incuestionables. Maureen Stapleton incorpora a una Emma Goldman siempre creíble y Gene Hackman, como de costumbre, se come la pantalla en las pocas escenas en las que interviene. A un nivel más discreto, y en un terreno que no es el que más domina, tenemos a Jerzy Kosinski en el papel del líder bolchevique Zinóviev. Mucho mejor está Paul Sorvino en el rol de cabecilla comunista italo-americano, dentro de un reparto, que en conjunto, hace un trabajo de mérito.

Rojos no es una obra maestra, sobre todo porque le sobra metraje al principio y al final, pero sí es una muy buena película, la única de verdadero interés de las dirigidas por Warren Beatty.

 

STARSHIP TROOPERS: INVASIÓN

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STARSHIP TROOEPRS: INVASION. 2012. 87´. Color. 

Dirección: Shinji Aramaki; Guión: Flint Dille, basado en la novela de Robert A. Heinlein; Música: Tetsuya Takahashi; Diseño de producción: Daisuke Matsuda y Jack Tong; Producción: Joseph Chou, para Sola Digital Arts-Stage 6 Films (Japón).

Intérpretes: Sanae Kobayashi (Voz de Carmen Ibáñez); Takaya Kuroda (Voz de Johnny Rico); Shinshu Fuji (Voz de Hero); Aya Hirano (Voz de Trig); Hiroshi Yanaka (Voz de Carl Jenkins); Kenta Miyake (Voz de Ratzass); Mitsuaki Hoshino (Voz de Daugherty); Shinji Kawada (Voz de Bugspray); Junko Minagawa (Voz de Ice Blonde); Ryunosuke Hobayashi (Voz del Alto Mando).

Sinopsis: Las Brigadas del Espacio vuelven a la acción cuando deben tomar el control de una nave desaparecida.

 Starship troopers: Invasión es la tercera secuela de la película dirigida en 1997 por Paul Verhoeven, y el primer film de animación de la saga, que a tales efectos se trasladó a Japón. Shinji Aramaki, un especialista en el manga de ciencia-ficción, fue el encargado de dirigir la película, e hizo un trabajo bastante digno, aunque el film fue estrenado directamente en vídeo en los Estados Unidos y tampoco goza de un especial reconocimiento en el resto del mundo, más allá del que le profesan los seguidores de la saga.

He de decir que soy fan del film de Verhoeven (más que de la novela de Robert Heinlein, que escribió otras mejores), pero que no he visto ninguna de las secuelas que preceden a Starship troopers: Invasión, también escritas por Ed Neumeier. Por lo que sé, el film japonés las ignora a ambas, y está concebido como una continuación directa de la obra original, varios de cuyos protagonistas reaparecen en versión animada. La película de Aramaki se inicia, como no podía ser de otra manera, con una cruenta batalla entre las Brigadas del Espacio y los gigantescos insectos a los que se enfrentan en una lucha interplanetaria que parece no tener final. Son las escenas de batalla las que forman el eje central de la narración y las que concentran la atención del espectador, pero he de decir que el guión  de Flint Dille contiene algunas ideas interesantes que hacen que la película sea algo más que un rutinario producto de acción animada de bajo presupuesto: para empezar, tenemos a Carl Jenkins, el intelectual del grupo, transmutando de odioso listillo a mad doctor a la antigua usanza: en su afán por terminar la guerra espacial, a Jenkins no se le ocurre otra cosa que enviar a las Brigadas a una misión suicida (que, naturalmente, acaba haciendo honor a ese calificativo, y desemboca en la detención de Hero, uno de los soldados con mejor expediente de toda la Federación). No contento con eso, Carl secuestra la nave que comanda una vieja conocida, la capitana Carmen Ibáñez, con la intención de albergar allí a una reina de los insectos y dar con la clave para su exterminio. Sin embargo, la criatura resulta ser más lista de lo previsto, y ella y sus tropas toman el control de la nave, con lo que obligan a los miembros de las Brigadas a arriesgar una vez más sus vidas para recuperar lo perdido y evitar una catástrofe de fatales consecuencias para la humanidad.

Echo a faltar el sarcasmo con el que Paul Verhoeven describía a los terrícolas, seres uniformes, con mucho más músculo que cerebro y más valentía que sagacidad, pero al margen de esto, Starship troopers: Invasión me parece una secuela bastante digna. La idea de que la saga pasara a la animación me parece buena: de todas formas, sus personajes son apolíneos y planos, y esta clase de individuos suele ganar cuando la vemos dibujada; además, el formato contribuye a hacer que los efectos especiales, que son un elemento fundamental en esta clase de obras, se vean más conseguidos. Aramaki consigue crear un film que entretiene, y que gustará a los seguidores de la saga, y a todos los amantes de la ciencia-ficción que disfruten de, por ejemplo, la primera secuela de AlienStarship troopers: Invasión tiene ritmo, su historia es bastante menos plana que sus personajes principales (con la excepción del mencionado Jenkins, el único ser complejo que se sale del estereotipo del soldado heroico), y las escenas de transición entre batallas, que son sin duda más flojas, no estropean un conjunto, repito, más que digno.

EL ATAQUE DE LOS CLONES

Uno de los signos más inequívocos de que el rock and roll se nos ha hecho viejo es la proliferación de bandas-tributo, fenómeno que uno no alcanza a entender. La fiebre no se limita a grupos disueltos desde hace lustros, sino que se extiende incluso a formaciones que siguen vivitas, coleando y haciendo exitosas giras cada cierto tiempo. Servidor, que por razones de edad no ha podido asistir a conciertos de los Beatles, Jimi Hendrix o Led Zeppelin, ni ver actuar a las formaciones originales de Deep Purple, Queen, Pink Floyd o Supertramp, no es de conformarse con sucedáneos. Es más, me parece un mal síntoma, un ejercicio innecesario de nostalgia que demuestra que el público rockero es, en el fondo, muy conservador. Si se trata de disfrutar de esos grupos legendarios, tenemos sus discos, DVD´s y la ingente cantidad de material recuperado (conciertos en directo, actuaciones en televisión…) que podemos encontrar en plataformas como Youtube.  Si la cuestión es disfrutar de un buen concierto, sigue habiendo un buen puñado de bandas y solistas que, al menos en una gran ciudad, te los pueden ofrecer con cierta periodicidad. Es cuestión de tener curiosidad y acercarse a conocer a formaciones que no copan las listas de éxitos, ni aparecen en grandes festivales o programas de televisión, pero que hacen buena música original. También de abrir los oídos y comprobar que hay mucha vida musicalmente plena más allá del rock. Puede ser triste, pero sólo es posible un Freddie Mercury, un Bon Scott, un Jimi Hendrix, un John Bonham… como sólo hubo un Miles Davis, un John Coltrane y un Paco de Lucía, y a nadie en el jazz o el flamenco se le ocurre salir a un escenario disfrazado de ellos y ponerse a tocar sus canciones como un lorito bien adiestrado. Es absurdo pretender detener el tiempo, y los sucedáneos son la peor forma de recuperarlo. Prefiero disfrutar de los maestros que siguen en activo, de sus discípulos más aventajados y de los auténticos artistas que nos quedan.

UN MAL DÍA

Ayer, no sólo perdimos a uno de los estandartes del jazz latino, Jerry González, sino a un artista como la copa de un pino, último representante de una distinguida raza. Quede aquí mi pequeño homenaje.

TRES TEJANOS

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STREETS OF LAREDO. 1949. 90´. Color.

Dirección: Leslie Fenton; Guión: Charles Marquis Warren, basado en una historia de Louis Stevens y Elizabeth Hill; Director de fotografía: Ray Rennahan;  Montaje: Archie Marshek; Música: Victor Young; Dirección artística: Henry Bumstead y Hans Dreier; Producción: Robert Fellows, para Paramount Pictures (EE.UU).

Intérpretes: William Holden (Jim Dawkins); Macdonald Carey (Lorn Reming); Mona Freeman (Rannie); William Bendix (Wahoo); Stanley Ridges (Mayor Bailey); Alfonso Bedoya (Calico); Ray Teal, Clem Bevans, James Bell, Dick Foote, Joe Domínguez, Grandon Rhodes, Hank Worden.

Sinopsis: Jim, Lorn y Wahoo forman una banda de ladrones especializada en el asalto a diligencias. Con el tiempo, dos de ellos se alistan en los rangers de Texas.

Una de las películas más reivindicadas dentro de la escasa, y muy poco conocida, filmografía como director de Leslie Fenton es su penúltima obra, Tres tejanos, un western de serie B que posee diversos valores que lo distinguen de las docenas de productos similares que facturó Hollywood en la época dorada del género, aunque no puede decirse que su repercusión fuera excesiva en el momento de su estreno.

El gran punto fuerte de la película es su guión, en cuya escritura dicen que colaboró King Vidor y viene firmado por un especialista en el género como Charles Marquis Warren, pues el libreto se salta no pocos tópicos del western: aunque hay una reivindicación expresa de los rangers de Texas, al final el film casi termina por ser una apología de la figura del bandido. Sus tres protagonistas masculinos, entre los cuales reina una gran amistad, se dedican a asaltar diligencias, aunque no dudan en ponerse del lado de los granjeros frente a los abusos de los ricos terratenientes. Luego de uno de sus robos, el trío acaba separándose, forzado por las circunstancias: dos de sus miembros resuelven suspender sus actividades delictivas, si bien acaban prácticamente cayendo en la indigencia y, después de diversos avatares, alistándose en los rangers de Texas. Lorn, el otro miembro del trío, continúa asaltando diligencias por su cuenta, y le va muy bien. El reencuentro entre los tres, situados ya a ambos lados de la ley, es el factor desencadenante del conflicto.

Hasta aquí, lo más o menos usual. Pasemos a lo otro: la profunda nobleza que rige la relación entre los tres bandoleros, que sólo desaparece cuando se la salta, no el que se siente muy a gusto en la delincuencia, sino uno de los que se han pasado al lado de los buenos; la importancia del principal personaje femenino, muy alejado del rol habitual de mujer-florero (y cuyo objeto de amor es el bandido irredento); el hecho de que en Jim Dawkins prime la lealtad hacia Lorn frente a su compromiso con los rangers, o que, desencadenado el enfrentamiento entre ambos, la placa no convierta a Dawkins en un hombre más valeroso, o en un tirador más rápido, como queda claro en otra de las peculiaridades del film: su duelo final. Además, sobre Lorn Reming brilla un aura de distinguido perdedor que le aleja del asesino sin escrúpulos que los westerns nos suelen mostrar.

Leslie Fenton se dedica a ilustrar esta historia con vigor, buen aprovechamiento de los exteriores (particularmente apreciable en el primer asalto a una diligencia perpetrado por el trío protagonista) y un indudable sentido del ritmo. Tres tejanos destaca por su concisión narrativa y por la brillante banda sonora, firmada por todo un clásico como Victor Young.

Si bien el protagonista del film (y el principal motivo de su recuperación) es William Holden, magnífico en un papel que dista mucho de ser el de un héroe sin mácula, quien se lleva de verdad los laureles es un impecable Macdonald Carey, que encontró en Lorn Reming a uno de los grandes personajes de su carrera, y lo bordó. El siempre correcto William Bendix completa el trío de bandidos, y he de decir que a Mona Freeman le viene grande un papel más rico que los que el western tradicional suele ofrecer a las féminas. Destacar al siempre sonriente, y muy malvado, Alfonso Bedoya, y a un rostro omnipresente en el cine del Oeste, Ray Teal.

Tres tejanos es mejor película de lo que aparenta, pues tiene verdadero poso, y creo que no desmerece en absoluto a otros westerns de la época mucho más recordados. Diría que Robert Aldrich bebió de ella para su magnífica El último atardecer, y eso significa algo.

IKARIE XB-1

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IKARIE XB-1. 1963. 85´. B/N.

Dirección: Jindrich Polák; Guión: Pavel Jurácek y Jindrich Polák, inspirado en la novela La nube de Magallanes, de Stanislav Lem; Dirección de fotografía: Jan Kalis;  Montaje: Josef Dobrichovsky; sicaZdenek Liska; Diseño de producción: Karel Lukas y Jan Zazvorka; Producción: Rudolf Wolf, para Filmové Studio Barrandov (Checoslovaquia).

Intérpretes: Zdenek Stepanek (Capitán Abajev); Frantisek Smolik (Anthony); Dana Medrika (Nina Kirova); Irena Kacirkova (Brigitta); Radovan Lukavsky (Comandante MacDonald); Otto Lackovic (Michal); Miroslav Machacek (Marcel Bernard); Jiri Vrstala (Svenson); Martin Tapak (Kubes); Rudolf Deyl, Jaroslav Mares, Marcela Martinkova, Jozef Adamovic, Ruzena Urbanova.

Sinopsis: En el año 2163, una misión espacial internacional viaja hasta los confines del universo conocido para explorar la galaxia Alpha-Centauri.

Jindrich Polák, director prácticamente desconocido fuera de su país natal, Checoslovaquia, tiene el honor de haber filmado la primera película de ciencia-ficción con cara y ojos llegada desde detrás del Telón de Acero. En aquellos años, el cine checoslovaco, y muchas otras artes, vivían una explosión de creatividad que fue cercenada con la represión posterior a la Primavera de PragaIkarie XB-1 ha sido recuperada porque se la considera una de las influencias principales utilizadas por Stanley Kubrick a la hora de inspirarse para dirigir 2001: Una odisea del espacio. El film ha sido restaurado en fechas recientes, recuperándose su versión original, que es la que puede verse en la actualidad.

Aunque no se le nombra en los títulos de crédito, la presencia de Stanislav Lem en la película, tanto en la narrativa como en la concepción estética, es acusada. Ikarie XB-1 es la primera traslación exitosa al mundo del cine del particular universo del novelista polaco. El objetivo era darle un enfoque más intelectual a la ciencia-ficción cinematográfica, lo cual no era excesivamente difícil porque el género, al menos en lo que respecta a los Estados Unidos, siempre había sido relegado a la serie B y, en la década de los 50, acostumbraba a servir de pretexto para la paranoia anticomunista, casi siempre en forma de invasión alienígena. Si bien el principio de la película tiene un tono inquietante (el motivo del cual se descubrirá en el clímax final), el film pronto adquiere un tono plácido, en el que prima la presentación de los personajes, el análisis de las relaciones entre ellos y la descripción de la misión que deben llevar a cabo. Esto puede parecer aburrido (y, de hecho, la larga escena del baile, lo es), pero se agradece la sobriedad en un género muchas veces dado a la histeria, y es precisamente después de la escena más floja del film cuando éste adquiere nuevos bríos. Todo comienza cuando los exploradores del Ikarie, cerca ya de llegar éste a su destino, son enviados a averiguar qué se oculta en el interior de un extraño aparato que vaga por el espacio sin rumbo aparente, y que resulta ser una nave terrestre del siglo XX, cuyos tripulantes presentan signos inequívocos de haber muerto de forma simultánea, por efecto de la radiación que emana de un agujero negro próximo a Alpha-Centauri. Cuando los exploradores regresan al Ikarie y empiezan a mostrar los mismos síntomas, la tensión se adueña de la nave.

Aunque el recurso de ilustrar la práctica totalidad de las transiciones entre escenas con un plano del Ikarie surcando el espacio a toda velocidad es de lo más reiterativo, Jindrich Polák filma con mucho oficio, y sí, Kubrick copió cosas: el carácter internacional de la misión, la armonía que reina entre los tripulantes de distintas naciones, la frialdad y funcionalidad de los decorados, el análisis de las posibilidades de la robótica en los viajes interestelares o la benevolencia con la que se juzga a las demás formas de vida existentes en el espacio exterior, lejos de los marcianos agresivos que estamos acostumbrados a ver en el cine, ya estaban en este film checoslovaco, aunque Kubrick supo llevar todos estos elementos a otro nivel. Los efectos especiales son los que son, pero tampoco es que las películas de ciencia-ficción norteamericanas de esa época los tuvieran mucho mejores. Y la música quizás es el eslabón más débil del conjunto, pues muchas veces cae en los tópicos de las bandas sonoras de la ciencia-ficción barata.

Las interpretaciones son, en general, correctas, aunque en este apartado todo da la sensación de estar demasiado medido y el espacio que se cede al lucimiento de los actores es más bien escaso. Con todo, Otto Lackovic, que interpreta al explorador enfermo y rebelde, y Frantisek Smolik, en el papel del viejo matemático, hacen un trabajo muy convincente, lo mismo que Dana Medrika o Radovan Lukavsky. Todo está muy en la línea del realismo socialista, pero la mayoría de estos actores desconocidos fuera de Checoslovaquia sabe bastante bien lo que se hace.

Ikarie XB-1 es una buena película de ciencia-ficción, cuyo valor principal es el de haber estado ahí antes de Kubrick y de Tarkovski, pero que además está rodada con inteligencia y saber hacer. Su recuperación se antoja, además de necesaria, interesante, y es de celebrar que se haya producido.

LA MALDAD DE FRANKENSTEIN

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THE EVIL OF FRANKENSTEIN. 1964. 85´. Color.

Dirección: Freddie Francis; Guión: John Elder (Anthony Hinds), basado en los personajes creados por Mary W. Shelley; Dirección de fotografía: John Wilcox; Montaje: James Needs; Música: Don Banks; Dirección artística: Don Mingaye; Producción: Anthony Hinds, para Hammer Films (Reino Unido)

Intérpretes: Peter Cushing (Barón Victor Frankenstein); Peter Woodthorpe (Zoltan); Duncan Lamont (Jefe de policía); Kiwi Kingston (Monstruo); Sandor Eles (Hans);  Katy Wild (Mendiga); David Hutcheson (Burgomaestre); James Maxwell, Howard Goorney, Anthony Blackshaw, David Conville, Caron Gardner, Tony Arpino.

Sinopsis: Una década después de su precipitada huida, el barón Frankenstein vuelve a su ciudad natal, donde se reencontrará con su criatura.

La maldad de Frankenstein es la tercera película de la saga que la productora Hammer dedicó al científico creador de vida y al mítico monstruo surgidos de la imaginación de la escritora Mary W. Shelley, y la única de esas películas que no fue dirigida por Terence Fisher, por entonces más interesado en rodar historias originales que secuelas. Su testigo lo recogió Freddie Francis, otro de los cineastas emblemáticos de la Hammer, dirigiendo con corrección, pero dando lugar al que es considerado el film más flojo de la saga. Mi opinión es que se trata igualmente de una obra estimable.

Tal vez, la principal novedad de esta película respecto a sus dos precedentes sea que contradice a su título, pues en ella se sigue presentando al barón Frankenstein como a un científico brillante, y tan ciegamente obstinado en crear vida más allá de prejuicios morales como siempre, pero esa maldad a la que nos remite el título se encuentra mucho más en otros personajes que en el propio barón. Es cierto que lo primero que nos muestra la película es el robo de un cadáver, perpetrado por un esbirro a sueldo del doctor, pero el motivo último del retorno de éste a su ciudad natal, Karlstaad, no es otro que la intolerancia religiosa a cualquier avance científico que cuestione el férreo control que la Iglesia ejerce sobre la población. Una vez en el pueblo, el barón Frankenstein descubre indignado que las autoridades del mismo, encabezadas por el burgomaestre y el jefe de policía, han aprovechado su ausencia para adueñarse de las riquezas que el doctor guardaba en su castillo. Y, ya resucitada la criatura, la venganza en la que ésta es utilizada como instrumento no la maquina el barón, sino Zoltan, un hipnotizador que remite directamente al doctor Caligari y que almacena en su interior varios de los peores defectos que puede tener un individuo.

El guión no es nada del otro mundo, y hay que decir que, después de la brillante introducción, el interés del film decae hasta que se producen varios hechos clave: el reencuentro entre el barón y el monstruo, la resurrección de éste y el descubrimiento de que Zoltan, a diferencia del doctor, sí es capaz de controlar la mente de la criatura. A partir de ahí, la película no desmerece a las dirigidas por Fisher. Francis no es más que un cineasta aplicado, pero el estilo Hammer, basado en la intensidad cromática, las influencias del romanticismo más macabro, el aprovechamiento de unos decorados modestos y la concisión narrativas están ahí y son, de nuevo, plenamente disfrutables.

En el reparto, uno echa a faltar a Christopher Lee en el papel del monstruo, más por mitomanía que porque el personaje dé para mucho lucimiento interpretativo, y todo empieza y acaba en un Peter Cushing de nuevo en su salsa, capaz de dotar a su personaje de nuevos matices (el humor socarrón del que hace gala en su precipitada huida de la alcoba de la esposa del burgomaestre, por ejemplo) sin arrebatarle ninguno de sus valores tradicionales, como su férrea voluntad, su espíritu amoral o su capacidad para la ironía. Peter Woodthorpe interpreta al auténtico malvado de la película, y lo hace a buen nivel. El resto del elenco, desde Sandor Eles, que da vida al joven e inseparable ayudante del barón Frankenstein, hasta Katy Wild, la sordomuda que acoge a los científicos huidos, pasando por los actores que interpretan a las fuerzas vivas de Karlstaad, se mueven dentro de la corrección, sin estridencias.

¿La película más floja de la saga? Tal vez, pero no por ello deja de ser buena.

ALABAMA MONROE

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THE BROKEN CIRCLE BREAKDOWN. 2012. 109´. Color.

Dirección: Felix Van Groeningen; Guión: Carl Joos y Felix Van Groeningen, basado en una obra de teatro de Johan Heldenbergh y Mieke Dobbels; Dirección de fotografía: Ruben Impens;  Montaje: Nico Leunen; Música: Bjorn Eriksson; Dirección artística: Kurt Rigolle; Producción: Dirk Impens, para Menuet Produkties-Topkapì Films-Belgacom-VAF- KFD-VTM (Bélgica-Holanda).

Intérpretes: Johan Heldenbergh (Didier); Veerle Baetens (Elise); Nell Cattrysse (Maybelle); Geert Van Rampelberg (William); Nils De Caster (Jock); Robby Cleiren (Jimmy); Bert Huysentruyt (Jef); Jan Bijvoet (Koen); Jan Hammenecker (Doctor); Sofie Sente, Ruth Beeckmans, Blanka Heirman, Kirsten Pieters, Yves Degryse, Dominique Van Malder, Marianne Loots, Sanderijn Helsen.

Sinopsis: El líder de un grupo belga de bluegrass y una joven tatuadora inician una relación que entra en una nueva etapa con el embarazo de la mujer y el nacimiento de una hija.

La película que supuso el reconocimiento internacional para el director belga Felix Van Groeningen fue la cuarta de su filmografía, Alabama Monroe, crudo drama que adapta una obra coescrita por el protagonista masculino del film, Johan Heldenbergh. La buena recepción obtenida en diferentes festivales sirvió para que los aficionados de todo el mundo pudieran comprobar que existe vida cinematográfica inteligente en Bélgica más allá de los hermanos Dardenne.

Leo (por ejemplo, en la imagen que ilustra esta reseña) que Alabama Monroe es un cruce entre Blue Valentine En la cuerda floja. Bien, no he visto la primera de las películas mencionadas, pero sí puedo decir que las similitudes entre el biopic de Johnny Cash y el film de Felix Van Groeningen se circunscriben a la omnipresencia de la música country y a la petición de mano entre artistas en mitad de un concierto. Añado que, en un nivel más profundo, el film posee varios elementos comunes con una de mis novelas favoritas de todos los tiempos, que es El árbol de la ciencia. Heldenbergh y Dobbels no escriben tan bien como Baroja, pero su mensaje, y su manera de expresarlo, son potentes. En su inicio, Alabama Monroe narra el idilio entre un músico de bluegrass, ateo irredento por más señas, y una tatuadora que ya ha fracasado en varias relaciones y que tiene un pensamiento menos racional y más tendente a la ensoñación. En esta fase, todo es muy indie, muy alternativo y un punto hippy, pero la película no deja de ser una comedia romántica más. La trama, que el director nos muestra mediante continuos saltos en el tiempo que no la convierten en difícil de seguir, da un giro cuando a Maybelle, la bella hija de los protagonistas, le diagnostican un cáncer, una enfermedad cruel que lo es aún más cuando quien la padece es un niño. En este momento, la película toma la senda de la tragedia, que ya no dejará hasta el final.

Felix Van Groeningen comparte con los Dardenne el espíritu realista, y su forma de filmar no se aleja demasiado de la de sus ilustres compatriotas. El núcleo de la película, además de en un loable pero demasiado estridente discurso contra los cortapisas de índole religioso y moral a los avances científicos en la cura de enfermedades, consiste en mostrar el diferente modo que tienen ambos progenitores de enfrentarse a la tragedia: Didier cree en la razón, carece de fe, y en consecuencia piensa (aunque al final flaquee de un modo que me atrevo a calificar de incoherente) que la muerte es el final de todo. Elise, como la mayoría de los seres humanos, prefiere el autoengaño como bálsamo contra el dolor. En el film se muestra muy bien el proceso de degradación de la pareja, provocado por ese modo distinto de ver la vida, y que llega hasta el miserable intento de culpar al otro de una desgracia que, como otras muchas que suceden cada día, se debe exclusivamente al azar. Queremos creer en una justicia cósmica que no existe, porque nos gusta pensar que todo tiene un sentido, y no. Todo tiene una explicación, aunque a veces no sepamos encontrarla o la busquemos donde no toca, pero esto significa que todo tenga un sentido. Es más, muchísimas veces la explicación es que infinidad de cosas de las que en el mundo suceden no tienen sentido. O, como cantaba alegremente Marisol en su etapa de niña-prodigio, que la vida es una tómbola, aunque no de luz y de color.

La música de la película es excelente, por bien escogida y bien ejecutada, pero en el aspecto musical hay algo que chirría. Por lo que conozco ese mundo, no me creo que alguien pase en poco tiempo de creer que I´m so lonesome I could cry es una canción de Elvis Presley a liderar una banda de bluegrass, que sin su presencia funcionaba de maravilla, y que eso no altere en lo más mínimo la camaradería reinante en el grupo antes de su llegada. Ahí, la película peca de naïf, como en el resbalón ideológico final de Didier, y eso desentona con la crudeza del conjunto. Por decirlo con otras palabras, Lars Von Trier nunca lo haría.

Se nota que Johan Heldenbergh está en su película, que da vida a un personaje que, en buena parte, surgió de su cerebro y que difícilmente otro actor podría interpretar con tanta convicción (demasiada, en su largo discurso escénico). Veerle Baetens, actriz y cantante a la que tampoco conocía de nada antes de ver Alabama Monroe, hace un trabajo magnífico en lo que a actuar se refiere, aunque en su faceta de vocalista está en un escalón inferior. Los secundarios no tienen  demasiado peso y, al contrario que Baetens, se muestran más en su salsa en la parte musical que en la actoral, en la que s labor no pasa de correcta.

Alabama Monroe, que no es ni de lejos una película perfecta, ni el entretenimiento ideal para un sábado por la noche, sí es un film sólido, bien construido, con momentos muy brillantes, una banda sonora de alto nivel y mucho material para la reflexión.

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